SanToki, Tokiya
Sabrina Amrani se complace en presentar 'SanToki, Tokiya', la cuarta exposición individual de Timothy Hyunsoo Lee en la galeria.
SanToki, Tokiya es el último cuerpo de trabajo del artista coreano-americano Timothy Hyunsoo Lee que presenta una serie de acuarelas, cianotipos, esculturas blandas y obras sobre papel. La exposición debe su título a una conocida canción coreana para niños que trata sobre una liebre de montaña y según el artista comparte, es normalmente la primera canción que los niños coreanos aprenden. El lenguaje es una experiencia aprendida de manera universal – la repetición de canciones y las palabras de nuestros padres se incrustan y se retienen dentro de nosotros. Para muchos, ese fundamento se construye, se expande y se nutre. ¿Qué se manifiesta cuando la conexión con esa lengua, y comunidad relacionada, es abruptamente cortada por la migración y el movimiento? Cuestionar el duradero impacto de esta ruptura y desconexión es la esencia de la práctica de Lee. Como artista multimedia, explora historias personales y colectivas de inmigración y las experiencias posteriores de cómo se desarrolla la identidad de uno cuando no se pertenece a la madre patria ni al hogar adoptivo.
Para esta exposición, Lee abstrae y queerifica el género tradicional de pintura coreana SanSuHwa, literalmente traducido como pintura de paisaje agua-montaña. En el centro de la exploración del artista se encuentran de manera específica representaciones de montañas, que aparecen prominentemente en este histórico género. Las montañas, tanto físicas como metafóricas, están profundamente tejidas en la identidad de la cultura coreana y son veneradas por su majestuosidad, inmovilidad, y protección. Al mismo tiempo, pueden representar peligro, aislamiento y división forzada. Las marcas y formas del artista a lo largo de las obras son viscerales y evocadoras de luz y oscuridad, alegría y anhelo, permanencia y volatilidad. Lee demuestra un agudo sentido del control sobre el material y el imaginario mientras utiliza nuevos métodos y materiales para concebir las composiciones presentadas con sus distintivas celdas con forma de diamante. Formalmente inspirado por la formación de Lee en biología, este motivo es una meditación serial de las múltiples identidades del artista que nunca podrán ser totalmente expresadas en su realidad.
En su serie, 성 (seong), que quiere decir castillo, Lee equipara la típica estructura fortificada occidental construida por la nobleza con las montañas que atraviesan la península coreana, abrazando la dualidad de protección e inaccesibilidad. Las montañas de Lee, aparentemente sólidas y sencillas, están compuestas por huellas individuales que se desvanecen en un paisaje fascinante que es sublime y tentador. Estas delgadas líneas de porosidad entre las celdas con forma de diamante son un momento de movimiento y escape. Hay esperanza incrustada dentro de esta masa física. El patrón estrechamente espaciado crea una sensación de plenitud en las montañas – son blandas y orgánicas, en contraste a los entornos irregulares y afilados típicos de la pintura de paisaje histórica coreana. Esta serie de acuarelas es a la vez una continuidad y una ruptura del género histórico.
En los últimos años, Lee ha expandido su práctica incluyendo cianotipos. Una de las primeras formas de fotografía, este método sin cámara consiste en exponer luz ultravioleta sobre papel de hierro tratado con sal para conseguir impresionantes resultados en negativos de color blanco y azul de Prusia. Cada una de las composiciones que forman la serie TrueView (Overexposed) representa una ráfaga de las celdas adiamantadas características de Lee. Las formas superpuestas y las áreas sobreexpuestas crean una sensación de movimiento y dinamismo al encontrarse con los ojos del espectador sobre el lienzo. La palpable energía inquieta en esta obra es una impresión de la propia psique del artista – a veces calmada y serena, y otras, ansiosa y frenética. Esta evolución en la práctica de Lee es paralela a un cambio innovador en la pintura de paisajes coreana – el título, TrueView, hace un guiño al siglo XVII, cuando los académicos coreanos empezaron a representar grandiosas escenas fieles a la topografía real que al mismo tiempo imbuían un sentido psicológico, lo que significa una ruptura importante con el predominante previo método chino de abordar la pintura.
En su instalación kaedduk (for Ungnyeo), Lee esculpe plantas de artemisa haciendo uso de seda coreana recolectada y cianotipos de preciadas fotografías familiares. La artemisa es considerara como una especie invasiva lo largo de la costa este de América del Norte debido a su habilidad para crecer y florecer en ambientes desfavorables. En cambio, en Asia del Este, es una apreciada hierba de montaña comúnmente usada para la medicina y gastronomía. Especialmente en Corea, esta planta es conocida por sus cualidades de resiliencia y generosidad; incluso juega un papel fundamental en la fábula popular sobre la fundación de la primera dinastía coreana. El uso y fabricación de artemisa por parte de Lee alude al significado colectivo de esta planta para la identidad coreana, a la vez que a su conexión personal con la planta que fue una de las pocas cosas familiares que experimentó como inmigrante en la ciudad de Nueva York.
Los paisajes montañosos imaginados y las representaciones de la naturaleza de Lee son parte de un largo linaje de pintura de paisaje coreana. Como artistas anteriores a él, sus composiciones están infundidas con nostalgia de un lugar que no es hogar, pero es añorado. Sus obras cuentan múltiples historias sobre las identidades colectivas e individuales de la diáspora coreana, adoptando la noción de que, para avanzar, uno tiene que reconocer los cimientos del pasado.
- Doris Zhao